For My Demons: Tristesse e l’arte di emozionare

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[ITA] Come nasce l’idea di dedicare un album ad un pittore, nel particolare Vincent Van Gogh?

L’idea non è nata in un momento preciso né da una scelta immediata. Dopo “Invisible” ci siamo presi del tempo, davanti a qualche birra, per confrontarci su quale potesse essere la tematica del nuovo album.
Abbiamo valutato diverse possibilità: eventi storici, grandi classici, opere letterarie, fino ad arrivare anche a figure e personaggi. Vincent Van Gogh è stato una delle opzioni che abbiamo preso in considerazione.
La scelta, però, è arrivata in modo piuttosto naturale. Approfondendo la sua storia, leggendo le biografie e studiando il suo percorso umano e artistico, ci siamo resi conto che era la direzione più adatta per noi. Il suo modo di vivere l’arte, la sua sensibilità, quella vena romantica e decadente che attraversa tutta la sua vita, ci sono sembrati perfettamente in linea con il nostro linguaggio musicale e con ciò che volevamo esprimere.

Van Gogh è conosciuto per il carattere impulsivo e tormentato, quasi tutti ricordiamo l’epiteto in cui si tagliò l’orecchio dopo aver litigato con il compagno di stanza Gauguin. Una narrazione decisamente “death metal”, che ne dite?

Può sembrare una storia degna di una canzone death metal delle grandi band del genere. Il taglio dell’orecchio secondo me non è un episodio isolato legato al litigio, ma il punto di rottura di un periodo segnato da tensioni e fragilità emotiva, nel tentativo di gestire un rapporto umano complesso tra due artisti altrettanto complessi. Per Van Gogh, la separazione da Gauguin e la sua partenza dalla Casa Gialla di Arles rappresentano un momento devastante, quasi un baratro. Tutto quello che fino a quel momento aveva anche una valenza artistica si trasforma in qualcosa di instabile e profondamente doloroso, fino a diventare insostenibile.

“9 Weeks” è un brano ispirato proprio da questa particolare convivenza, ce lo volete raccontare?

Sì, assolutamente. 9 Weeks è un brano che nasce principalmente da un dialogo molto intenso tratto dal film Lust for Life del 1956, in cui Van Gogh è interpretato da Kirk Douglas e Gauguin da Anthony Quinn.
C’è questa scena in particolare, molto incalzante, in cui i due si confrontano in modo quasi conflittuale, cercando di affermare le proprie visioni dell’arte, le proprie emozioni e il proprio modo di vivere la pittura. “9 Weeks” è, in un certo senso, la trasposizione musicale di quel dialogo: una sorta di scontro, ma anche di incontro, tra due sensibilità artistiche molto diverse. Consiglio a tutti di vederlo, per chi non lo avesso già fatto.

Questo artista iconico incarna l’emblema della corrente post-impressionista. Grazie alla sua tecnica unica, fatta di turbinose pennellate corte e spesse, col colore applicato direttamente dal tubetto alla tela, trasmette un vorticoso ed instabile senso di movimento, energia e tensione emotiva. Uno stile vivo: pulsante come un cuore, un battito, un ritmo… un esempio lampante? La Notte Stellata, con tutte quelle stelle vorticose. In che modo la vostra musica riflette l’approccio artistico di questo grande personaggio?

Sì, questo esempio è davvero molto calzante e molto bello, complimenti! Nel nostro modo di comporre c’è sempre un equilibrio tra impulso e riflessione. Da una parte c’è l’istinto: quando scriviamo una melodia cerchiamo di essere diretti, senza troppi filtri, e se qualcosa non ci convince viene scartato subito. Dall’altra parte, però, c’è una fase più riflessiva, che riguarda l’ascolto, l’armonizzazione e l’arrangiamento, dove il brano prende forma in modo più consapevole. In questo senso, quella componente impulsiva che si ritrova anche nell’arte di Van Gogh la sentiamo molto vicina al nostro modo di lavorare.

Colgo altre analogie tra voi: il vostro moniker “For My Demons”, ad esempio, mi rimanda al tormento interiore e alla sofferenza. Ombre che si manifestano anche in brani come ‘Shades of Past’, dove esplorate il rapporto tra il pittore e Sien Hoornik, una vicenda segnata da passioni proibite e scelte difficili. In che modo questo brano risuona nella vostra personale esperienza musicale e poi di vita?

Sicuramente ognuno di noi ha delle “ombre del passato” con cui fare i conti, chi più chi meno. Quello che cambia è forse la scala di grigi con cui queste ombre si manifestano… qualcuno ne ha di più scure, qualcuno un po’ più leggere. (ride)
Il moniker For My Demons è nato nel 2016, quando ho deciso di dare vita a questo progetto, e ha un doppio significato. Da una parte c’è il mio grande amore per i Katatonia, una band che per me è stata, ed è tuttora, una fonte di ispirazione enorme. Dall’altra parte è legato a un periodo personale piuttosto complesso che stavo attraversando in quel momento, tra la separazione dalla mia precedente band, i Neverdream, e altri cambiamenti importanti nella mia vita. Per questo motivo, brani come Shades of Past risuonano molto anche nella nostra esperienza personale. Ma in fondo è qualcosa che riguarda un po’ tutti, perché ognuno, a modo suo, convive con le proprie luci e le proprie ombre.

Passando a domande molto più focalizzate sul vostro album “Tristesse” e sul vostro approccio compositivo, che tipo di musicisti reputate di essere? Vi inserite tra quelli che non saltano mai una serata di prove oppure tra quelli che compongono “a distanza”?

Ci sono diverse fasi nella vita dei For My Demons che ci portano ad essere, di volta in volta, un tipo di musicisti diverso. Durante la preparazione dei concerti le prove costanti diventano fondamentali, perché ci permettono di mantenere una buona intesa e un suono compatto, e lì cerchiamo di essere il più precisi possibile.
Per quanto riguarda la composizione, invece, il processo è un po’ più aperto: ci incontriamo in modo meno frequente, ognuno porta idee e spunti, e poi lavoriamo insieme per svilupparli e costruire gli arrangiamenti. Quindi diciamo che la fase più “disciplinata” è quella legata ai live, mentre la scrittura è un momento più libero e creativo.

Quante ore dedicate settimanalmente ad esercizio e miglioramento della performance?

Posso rispondere personalmente dicendo che, da quasi dieci anni, dedico due ore a settimana allo studio del canto, ogni venerdì, ed è un appuntamento a cui non rinuncerei mai.
Per me è un momento fondamentale, perché mi permette di mettermi alla prova studiando approcci diversi, generi differenti, dal pop al musical, e cantanti con tecniche anche molto distanti dal mio modo di cantare. È un tempo che mi prendo per me stesso, in cui riesco a lasciare fuori tutto il resto e concentrarmi solo sulla musica.

Sempre a proposito di prove, chi è tra voi il più pigro, quello che inventa sempre scuse per rimandare?

No, per fortuna nessuno di noi è così pigro… anche se ogni tanto qualcuno ci prova (ride)

La scusa più folle sentita fino ad ora?

Le scuse più folli ce ne sono diverse, ma quelle che vanno per la maggiore sono sicuramente i numerosi “lutti” che colpiscono persone invitate ai nostri concerti. Di alcuni di questi amici conosco storie davvero incredibili… gente che, a quanto pare, ha perso anche cinque, sei, sette nonni o parenti lontani nel giro di poco tempo (ride)

Quanto influisce la post-produzione sul vostro materiale?

La post-produzione per noi è molto importante, ma in realtà gran parte di questo lavoro avviene già nella fase di pre-produzione. Nel nostro approccio partiamo da idee grezze che poi sviluppo personalmente come progetto, e da lì inizia un processo che è già, di fatto, una forma di post-produzione: lavoriamo sugli arrangiamenti, sperimentiamo soluzioni diverse e facciamo molte prove, fino ad arrivare a una versione che ci soddisfa davvero. Quindi sì, la post-produzione è fondamentale, ma non tanto per correggere o “coprire” imperfezioni, quanto per sviluppare il materiale, esplorare diversi suoni e trovare la veste più adatta al brano.

Quali sono le vostre esperienze individuali prima di “For My Demons”?

La mia esperienza precedente ai For My Demons è stata anche la più longeva fino ad oggi. Sono stato il batterista dei Neverdream, una band progressive metal con cui abbiamo pubblicato quattro album e fatto numerosi concerti, anche con buone esperienze a livello internazionale.
È stata un’esperienza fondamentale per il mio percorso artistico, perché mi ha permesso di crescere molto e mi ha dato il bagaglio musicale e culturale che porto ancora oggi.
Da lì è nato poi For My Demons, inizialmente come progetto solista, che nel tempo si è evoluto fino a diventare una band vera e propria con la formazione attuale.

Guardando al vostro percorso musicale, qual è il punto di arrivo che vi siete prefissati?

Il punto di arrivo, quando si arriva alla nostra età, cambia. Può sembrare anche un po’ malinconico, ma in realtà è qualcosa di molto reale, e non per questo meno affascinante. Quelle “farfalle nello stomaco” che ti spingono, a vent’anni, a voler diventare la più grande rockstar del pianeta, con il tempo si trasformano. Non spariscono, ma cambiano forma. Le ritrovi ogni volta che una nota esce dalle casse dello studio, quando ascolti qualcosa che hai composto, o quando parte il primo colpo di batteria durante le prove. Quella sensazione non se ne va mai.
Oggi il nostro obiettivo è fare la musica che ci piace e divertirci il più possibile, mantenendo viva quella passione.

Vi sentite vicini o lontani all’obiettivo?

È difficile dire se siamo vicini o lontani, perché in realtà quell’obiettivo, in un certo senso, lo abbiamo già raggiunto. Se l’obiettivo è divertirsi, esprimersi e mettere passione in quello che facciamo, allora è qualcosa che viviamo ogni volta che suoniamo o componiamo.
Quindi più che inseguirlo, è qualcosa che continuiamo a realizzare nel tempo.

Vi auguro in bocca al lupo per la promozione del vostro album e spero di sentirvi presto con altro materiale.